Dans le cadre de la série de podcasts “ArtsAbly in Conversation”, Diane Kolin a interviewé Eric Whitmer, étudiant en troisième année de doctorat en musicologie à l'université du Michigan.
Ce billet présente les ressources qu'Eric Whitmer a mentionnées au cours de la conversation. L'épisode sera publié prochainement.
Eric Whitmer
Eric Whitmer est en troisième année de doctorat en musicologie à l'université du Michigan. Leurs recherches s'appuient sur les domaines des études sur le handicap et des études numériques, et cherchent à comprendre comment et pourquoi les gens utilisent la musique pour rendre le monde “meilleur” (les gros guillemets sont de rigueur). Leur thèse retrace le déploiement des technologies juridiques, économiques et numériques dans les institutions musicales américaines au cours des XXe et XXIe siècles. Les travaux les plus récents d'Eric ont été publiés dans la revue Journal de Musicologie Pédagogie sur l'accès à l'enseignement de l'histoire de la musique. En 2025, ils ont été nommés Gutsy Broad Fellow par le Center for the Education of Women+ de l'université du Michigan pour leurs recherches sur l'accessibilité de l'éducation musicale en Australie et en Aotearoa/Nouvelle-Zélande. En plus de penser et de parler de musique, Eric joue également de la musique en tant que percussionniste et carilloniste.
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Qu'est-ce qu'un carillon ?
Un carillon est un instrument de musique composé de cloches. Généralement installé dans un clocher construit à cet effet, un carillon est composé d'au moins 23 cloches accordées harmonieusement. Les cloches en forme de coupe sont suspendues dans un cadre (ce qu'un campanologue appellerait “mortes” plutôt que “balancées”). Un carillonneur ou un carilloniste (celui qui joue du carillon) actionne alors un mécanisme semblable à celui d'un orgue, qui signale à un système complexe de battants internes ou de marteaux externes de faire sonner les cloches.
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L'approche Orff
L'approche Orff, ou Orff-Schulwerk, est une méthode d'éducation musicale centrée sur l'enfant, créée par Carl Orff, qui intègre la musique, la parole, le mouvement et l'art dramatique, en mettant l'accent sur la participation active, l'improvisation et la créativité par le jeu, en utilisant des instruments de percussion simples comme les xylophones et les cloches, et en enseignant les concepts musicaux par l'expérience avant la notation, de la même manière que les enfants apprennent le langage. C'est un moyen inclusif et joyeux pour tous les enfants de développer leur musicalité en explorant les rythmes, les mélodies et les modèles à travers des activités familières telles que les chansons, les jeux et les contes.
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Études critiques sur le handicap : Modèles de handicap
Les études critiques sur le handicap définissent des modèles de handicap, tels que, mais sans s'y limiter, les modèles médicaux, sociaux, identitaires, minoritaires ou caritatifs. Chaque cadre explique le concept de handicap et influence les attitudes sociétales, les politiques et les systèmes de soutien. Chaque modèle est décrit en fonction de ses hypothèses sous-jacentes - par exemple, le modèle médical considère le handicap comme un problème de santé personnel nécessitant une intervention médicale, tandis que le modèle social met l'accent sur les barrières sociétales en tant que principale source de handicap.
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Mesures extraordinaires par Joseph Straus
Abordant le handicap comme une construction culturelle plutôt que comme une pathologie médicale, cet ouvrage étudie l'impact du handicap et des concepts de handicap sur les compositeurs, les interprètes et les auditeurs handicapés, ainsi que sur le discours sur la musique et les œuvres musicales elles-mêmes. Pour les compositeurs handicapés - comme Beethoven, Delius et Schumann - la conscience du handicap influe fortement sur la réception critique. Pour les interprètes handicapés - comme Itzhak Perlman et Evelyn Glennie - l'interprétation du handicap et l'interprétation de la musique sont profondément liées. Pour les auditeurs handicapés, des corps et des esprits extraordinaires peuvent donner naissance à de nouvelles façons de comprendre la musique. Dans les histoires que les gens racontent sur la musique, et dans les histoires que la musique elle-même raconte, le handicap a longtemps joué un rôle central mais méconnu. Certaines de ces histoires sont des récits de dépassement - le triomphe de l'esprit humain sur l'adversité - mais d'autres sont des récits plus nuancés d'adaptation et d'acceptation de la vie avec un corps ou un esprit non normatif. De toutes ces manières, la musique reflète et construit le handicap.
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Groupe d'étude de l'AMS sur la musique et le handicap
Le groupe d'étude AMS Music and Disability est un groupe d'étude officiel de l'American Musicological Society (AMS) composé de chercheurs ayant un intérêt interdisciplinaire pour la musique et les études sur le handicap. Le groupe mène de nombreuses initiatives scientifiques, notamment des conférences, des panels, des articles et des livres. Il milite également en faveur de l'inclusion et de l'accessibilité des chercheurs, en particulier au sein de leurs organisations professionnelles. Enfin, il plaide pour l'inclusion de tous les étudiants, indépendamment de leur état d'esprit et de leur diagnostic, et travaille à la conception d'une pédagogie et d'un enseignement flexibles et inclusifs, afin que tous les étudiants se sentent les bienvenus et s'épanouissent, et que moins d'aménagements “rétroactifs” doivent être mis en œuvre pour leur permettre un apprentissage optimal.
Visitez le site du groupe d'étude de l'AMS sur la musique et le handicap
Jacob Nissly
Jacob (Jake) Nissly a rejoint l'Orchestre symphonique de San Francisco en tant que percussion principal en 2013. Il est président du département de percussion et professeur de percussion au Conservatoire de musique de San Francisco. Il est également entraîneur régulier au New World Symphony. Auparavant, il a enseigné à l'Eastman School of Music et au Cleveland Institute of Music. Il a été coach de percussion pour l'Aspen Music Festival depuis 2019, le National Youth Orchestra-USA, le Verbier Festival et d'autres. On peut l'entendre sur des enregistrements de l'Orchestre symphonique de San Francisco et de l'Orchestre de Cleveland. Il a également joué de la batterie sur l'enregistrement de City Noir de John Adams par le St. Louis Symphony, récompensé par un Grammy Award.En 2019, Nissly a créé le concerto pour percussions Losing Earth d'Adam Schoenberg avec le San Francisco Symphony. Il a interprété cette œuvre avec l'Orchestre symphonique de Nouvelle-Zélande et l'Orchestre symphonique d'Omaha, et la jouera avec l'Orchestre symphonique de Nuremberg en 2026.
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Molly Joyce
Molly Joyce est une compositrice et interprète dont le travail explore le handicap comme source de création. Décrite par Le Washington Post comme “l'un des compositeurs les plus polyvalents, les plus prolifiques et les plus intrigants travaillant sous le vaste dôme de la nouvelle musique”, sa musique a également été saluée par Le New York Times pour sa “puissance sereine” et par Vulture comme “inébranlable... enveloppant”. Joyce se produit souvent sur un orgue électrique vintage, un instrument qu'elle a trouvé sur eBay, qui convient physiquement à son corps et qui incarne conceptuellement son engagement envers le handicap dans le son.
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Julius Eastman
Julius Eastman était un compositeur américain. Il fut l'un des premiers compositeurs à combiner les procédés de certaines musiques minimalistes avec d'autres méthodes d'extension et de modification de sa musique comme dans certaines musiques expérimentales. Il a ainsi créé ce qu'il a appelé la “musique organique”. Dans des compositions comme Rester dans le coup (1973), ses motifs mélodiques ne sont pas sans rappeler les refrains accrocheurs de la musique pop de l'époque. Il a étudié l'interprétation et la composition à New York et a contribué aux nouvelles scènes musicales de New York, Buffalo et Chicago, effectuant des tournées et des enregistrements en tant qu'interprète et jouant souvent sa propre musique. En tant que chef d'orchestre, musicien et chanteur, il a entretenu une relation artistique étroite avec Arthur Russell et a travaillé brièvement avec Meredith Monk et Pierre Boulez. Sa voix est celle du Mad King de Peter Maxwell Davies chez Nonesuch Records. Il a travaillé dans différents styles musicaux, notamment le classique, le jazz et le crossover.
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Pauline Oliveros
La vie de Pauline Oliveros en tant que compositrice, interprète et humanitaire a consisté à ouvrir sa propre sensibilité et celle des autres à l'univers et aux facettes des sons. Sa carrière s'étend sur cinquante ans de création musicale qui abolit les frontières. Dans les années 50, elle faisait partie d'un cercle de compositeurs, d'artistes et de poètes iconoclastes réunis à San Francisco. Dans les années 1960, elle a profondément influencé la musique américaine par son travail sur l'improvisation, la méditation, la musique électronique, les mythes et les rituels. Elle a reçu quatre doctorats honorifiques et de nombreux prix. Mme Oliveros a été professeur de recherche distinguée en musique au Rensselaer Polytechnic Institute, à Troy, dans l'État de New York, et Darius Milhaud Artist-in-Residence au Mills College. Elle a fondé Deep Listening, qui est né de sa fascination d'enfant pour les sons et de ses travaux sur la musique de concert, la composition, l'improvisation et l'électroacoustique. Elle décrit Deep Listening comme une manière d'écouter de toutes les manières possibles tout ce qu'il est possible d'entendre, peu importe ce que l'on fait. Cette écoute intense inclut les sons de la vie quotidienne, de la nature, de ses propres pensées ainsi que les sons musicaux. ’Deep Listening est la pratique de ma vie’, explique Oliveros en toute simplicité. Mme Oliveros a fondé le Deep Listening Institute, anciennement Pauline Oliveros Foundation, aujourd'hui Center For Deep Listening at Rensselaer, Troy, NY.
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Susie Ibarra
Susie Ibarra est une compositrice, percussionniste et artiste sonore philippine et américaine, lauréate du prix Pulitzer. Sa pratique interdisciplinaire comprend la composition, la performance, les applications mobiles de cartographie sonore, les installations audio multicanaux et le documentaire. Sa pratique interdisciplinaire comprend la composition, la performance, les applications mobiles de cartographie sonore, les installations audio multicanaux, l'enregistrement et le documentaire. Susie Ibarra est une artiste Yamaha, Zildjian et Vic Firth Drum Artist. Elle est la fondatrice de Susie Ibarra Studio et, avec l'artiste-musicien et ingénieur Jake Landau, elle a cofondé le label et l'éditeur Habitat Sounds.Elle s'emploie à soutenir les cultures musicales indigènes et traditionnelles, comme le musika katutubo des Philippines, milite pour la protection des glaciers et des eaux douces, et soutient des initiatives concernant l'eau et le climat du désert, ainsi que l'éducation des femmes et des jeunes filles avec Joudour Sahara, au Maroc. Susie Ibarra dirige plusieurs ensembles, dont le Talking Gong Trio avec Claire Chase et Alex Peh. Elle a enregistré plus de 40 albums et s'est produite dans des événements et des lieux tels que le Carnegie Hall, les Jeux olympiques et la Biennale de Sharjah. Son livre Le rythme dans la nature : Une écologie du rythme a été publié en mars 2024.
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Tiffany Ng
Tiffany Ng est professeur agrégé de carillon et carilloniste universitaire à l'université du Michigan, à Ann Arbor. Défenseur énergique de la diversité dans la musique contemporaine, elle a créé ou repris plus de soixante pièces de compositeurs émergents et confirmés, d'Augusta Read Thomas à Yvette Janine Jackson, a mis au point des modèles de performances interactives de carillon “crowdsourced” et des installations sonores basées sur des données environnementales avec Greg Niemeyer, Chris Chafe, Ed Campion, Ken Goldberg, John Granzow et Laura Steenberge, et, grâce à ses collaborations avec des compositeurs, a considérablement élargi le répertoire américain pour le carillon et l'électronique.
Josh Quillen
Josh Quillen s'est forgé une identité unique dans le monde de la musique contemporaine en tant que percussionniste polyvalent, expert en steel drum (qualifié de “doucement sophistiqué” par le New York Times) et compositeur. Membre du célèbre ensemble So Percussion depuis 2006, Josh s'est produit au Carnegie Hall, à la Brooklyn Academy of Music, au Lincoln Center Festival, au Stanford Lively Arts et dans des dizaines d'autres lieux aux États-Unis. Depuis, So Percussion a effectué des tournées en Russie, en Espagne, en Australie, en Italie, en Allemagne et en Écosse. Il a eu l'occasion de travailler en étroite collaboration avec Steve Reich, Steve Mackey, Paul Lansky, David Lang, Matmos, Dan Deacon et bien d'autres.
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Melanie Lowe
Melanie Lowe est professeur associé de musicologie à l'école de musique Blair de l'université Vanderbilt. Ses recherches portent sur la construction du sens musical, de la théorie des thèmes dans la musique de la fin du XVIIIe siècle aux utilisations de la musique classique dans les médias du XXIe siècle. Son livre Pleasure and Meaning in the Classical Symphony (Indiana University Press, 2007) explore les raisons pour lesquelles la musique instrumentale publique de l'Europe de la fin du XVIIIe siècle est restée accessible, divertissante et nettement agréable pour une grande variété d'auditeurs pendant plus de 200 ans. Son volume co-édité Repenser la différence dans les études musicales (Cambridge University Press, 2015) situe la différence dans des débats plus larges sur la reconnaissance et la liberté afin de révéler pourquoi les différences et les similitudes entre les personnes sont importantes pour la musique et la pensée musicale.
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Joy Calico
Joy H. Calico est professeur de musicologie et présidente du département de musicologie. Ses recherches portent sur les politiques culturelles interdisciplinaires de la guerre froide, l'opéra depuis 1900 et Arnold Schoenberg. Ses projets actuels comprennent une théorie de l'opéra du vingtième et du vingt-et-unième siècle en fonction du type de scène, basée sur la théorie de l'opéra de Kaija Saariaho. L'amour de loin (sous contrat avec les Presses de l'Université de Californie), et un volume co-édité pour OUP intitulé L'enfance et l'imaginaire lyrique depuis 1900, à paraître en 2026. Avec Daniel Chua, elle a lancé la série de livres California Studies in Global Musicology (CSGM) en 2024.
Robert Webb Fry
Les recherches actuelles de Robert Webb (Robbie) Fry portent sur le tourisme musical et le rôle de la culture des fans dans la production d'un lieu musical. Il a présenté des conférences et des articles scientifiques au niveau national et international sur des sujets tels que le tourisme musical, la culture des fans et les festivals de musique, la musique country et la nostalgie, la musique et le lieu, le hip-hop, l'hymnodie, le blues, le minstrelsy et le tourisme virtuel dans “Second Life”. Ses publications comprennent des entrées d'encyclopédie, des articles et des comptes rendus dans Black Praxis, la Routledge Encyclopedia of the Blues, l'Arkansas Online Encyclopedia of History and Culture et la 8e édition de Burkholder/Grout/Palisca A History of Western Music. Membre de l'American Musicological Society, de la Society for American Music, de la Society of Ethnomusicology et de l'International Association for the Study of Popular Music. Les cours enseignés à Vanderbilt comprennent le blues, la musique mondiale, l'étude de la littérature musicale, le jazz, la musique populaire américaine, la musique et le tourisme, et la musique du Sud.
Douglas Shadle
Les recherches primées de Douglas (Doug) Shadle portent sur les rôles joués par les orchestres symphoniques et la musique orchestrale dans la culture américaine d'hier et d'aujourd'hui. Précieux pour les chercheurs et les amateurs de musique classique, son travail a été couvert par les principaux médias des États-Unis et d'Europe. M. Shadle s'est félicité des collaborations scientifiques et artistiques qu'il a nouées avec un large éventail d'organisations internationales des arts de la scène. Il est actuellement trésorier de la Society for American Music et de l'International Florence Price Festival. À partir de 2024, il sera également le rédacteur en chef de la revue Journal de la recherche musicologique.
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Rebecca Epstein-Levi
Rebecca J. Epstein-Levi est professeur adjoint d'études juives et d'études sur le genre et la sexualité à l'université Vanderbilt. Spécialiste de l'éthique sexuelle, elle utilise des lectures non conventionnelles de textes rabbiniques classiques pour étudier l'éthique du sexe et de la sexualité, du handicap et de la neurodiversité.
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Alison Kafer
Alison Kafer est une universitaire américaine spécialisée dans les théories féministes, queer et du handicap. Depuis 2019, elle est professeure associée d'études féministes à l'université du Texas, à Austin. Elle est l'auteure du livre Féministe, Queer, Crip. Elle a siégé à de nombreux conseils d'administration d'organisations à but non lucratif, dont What's Your Issue, la Society for Disability Studies et Generations Ahead.
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Simi Linton
Simi Linton est auteur, cinéaste et conseillère artistique. Elle a notamment écrit Claiming Disability : Knowledge and Identity, My Body Politic, et “Cultural Territories of Disability” publié par Dance/NYC. Elle est le sujet du documentaire Invitation à la danse (Christian von Tippelskirch et Simi Linton). L'organisation de Simi Linton, Disability/Arts Consultancy, est au service des institutions culturelles de la ville de New York et s'efforce de façonner la présentation du handicap dans les arts. Ses projets comprennent des contrats pluriannuels avec le Whitney, le Shed et Dance/NYC. Elle a organisé des événements au Public Theater, à la Writers’ Guild of America, au siège de HBO, au Smithsonian et au Margaret Mead Film Festival. Linton a été l'une des fondatrices et codirectrices de Disability/Arts/NYC [DANT] de 2016 à 2019. Mme Linton est titulaire d'un doctorat en psychologie de l'Université de New York et a fait partie de la faculté de CUNY de 1985 à 1998. Elle a reçu la médaille de distinction du Barnard College en 2015, un doctorat honorifique en arts du Middlebury College (2016), et a été nommée par le maire Bill de Blasio en 2015 à la Commission consultative des affaires culturelles de NYC [2015-présent] et au Comité She Built NYC.
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Stella Young
Stella Young était une humoriste, journaliste et militante australienne pour les droits des personnes handicapées. Elle est née avec une ostéogenèse imparfaite et s'est déplacée en fauteuil roulant pendant la majeure partie de sa vie. À l'âge de 14 ans, elle a vérifié l'accessibilité des commerces de la rue principale de sa ville natale. Elle est titulaire d'une licence en journalisme et relations publiques de l'université Deakin de Geelong et d'un diplôme d'études supérieures en éducation de l'université de Melbourne. Après avoir obtenu son diplôme en 2004, elle a travaillé pendant un certain temps comme enseignante dans le secondaire. Dans un premier temps, elle a travaillé comme enseignante dans un établissement secondaire. Augmenter le nombre d'heures de travail Dans un éditorial publié en juillet 2012, elle déconstruit l'habitude de la société de transformer les personnes handicapées en ce qu'elle appelle le “porno d'inspiration”, c'est-à-dire l'idée que les personnes handicapées peuvent faire certaines choses “malgré” leur handicap et qu'elles sont utilisées pour motiver les personnes non handicapées, plutôt que d'élever les personnes handicapées. Le concept a été popularisé dans son discours TEDxSydney d'avril 2014, intitulé “Je ne suis pas votre source d'inspiration, merci beaucoup”.”
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Gaelynn Lea
Gaelynn Lea est une chanteuse folk américaine, violoniste, oratrice et défenseur du handicap originaire de Duluth, dans le Minnesota. Elle a remporté le Tiny Desk Contest 2016 de NPR. Gaelynn Lea est née avec une ostéogenèse imparfaite, une maladie génétique qui entraîne des complications dans le développement des os et des membres. Dès son plus jeune âge, Lea se passionne pour la musique classique. En quatrième année, un professeur la remarque et l'encourage à poursuivre la musique après qu'elle a obtenu le seul score parfait de la classe à un test d'écoute musicale. Lea a développé une technique pour le violon qui consistait à tenir l'archet “comme un bassiste” avec le corps de l'instrument placé devant elle, comme un violoncelle, et attaché à son pied pour qu'il ne glisse pas lorsqu'elle jouait. Ses parents possédaient et géraient également un dîner-théâtre pendant que Lea grandissait, et elle était souvent ouvreuse et éclairagiste pour les productions. Lea a fréquenté le Macalester College, où elle s'est spécialisée dans les sciences politiques ; avant sa carrière musicale, elle avait prévu de poursuivre une carrière d'avocate et de défenseur des droits des personnes handicapées.
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Jessica Holmes
Jessica Holmes est musicienne et professeur agrégée de musicologie à l'université de Copenhague. Ses recherches et son enseignement se situent à l'intersection des études sur la musique populaire, des études sur le handicap, des études sur le son, des études sur la voix et des études féministes sur les médias. Ses recherches portent sur la relation entre la musique et le handicap en mettant l'accent sur l'incarnation, la vocalité et la formation de l'identité, un programme de recherche qui englobe deux domaines d'intérêt distincts. Le premier concerne les ontologies sourdes du son et de la musique. Le second concerne l'esthétique du handicap, de la maladie et du genre dans la musique pop contemporaine.
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William Cheng
William Cheng est titulaire d'une chaire et professeur de musique au Dartmouth College. Joueur passionné et pianiste-improvisateur de toujours, il travaille à l'intersection des histoires culturelles, des études sur le handicap, des théories des médias, de l'éthique des soins, de la race et de l'homosexualité. Il a obtenu une licence en musique (interprétation au piano) et en anglais (écriture créative) à l'université de Stanford en 2007 et un doctorat en musicologie à l'université de Harvard en 2013. Défenseur de la justice sociale, il est l'un des coéditeurs fondateurs (avec Andrew Dell'Antonio) de la série Music & Social Justice de la University of Michigan Press. Il a été représentant élu au comité d'éthique de l'American Musicological Society de 2021 à 2024.
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Anabel Maler
Anabel Maler est une spécialiste de la théorie musicale qui s'intéresse aux études sur la musique et le handicap, à la musique dans la culture sourde, à la perception de la musique, à l'incarnation et au geste, à la forme post-tonale et aux intersections de la théorie musicale, de la musicologie et de l'ethnomusicologie. Elle est professeur adjoint de théorie musicale à l'université de la Colombie-Britannique à Vancouver. Elle est titulaire d'une licence et d'une maîtrise en théorie musicale de l'Université McGill. Elle a obtenu un doctorat en théorie et histoire de la musique à l'Université de Chicago en 2018, où elle a terminé une thèse intitulée “Hearing Form in Post-Tonal Music”. Elle est l'auteure de Voir les voix : analyse de la musique en langue des signes, publié par Oxford University Press en 2025.
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Margaret Price
Margaret Price est une femme genderqueer, spécialiste de la rhétorique, des études sur le handicap et des méthodes qualitatives. Elle est professeur et directrice du programme d'études sur le handicap au sein du département d'études anglaises de l'université de l'État de l'Ohio. Son livre Crip Spacetime : Accès, échec et responsabilité dans la vie universitaire (Duke University Press, 2024) a remporté le 2024 Alison Piepmeier Book Prize de la National Women's Studies Association (NWSA), ainsi qu'une mention honorable pour le Research Impact Award de la Conference on College Composition & Communication (CCCC). Leur premier livre, Fou à l'école : Rhétorique du handicap mental et de la vie académique (University of Michigan Press, 2011), a remporté le prix du livre exceptionnel décerné par le CCCC. Price est co-PI du Transformative Access Project et a reçu une bourse de recherche Fulbright en 2020.